¿Se quedará Almodóvar sin Oscar el año que viene?  Sí. Al menos, a priori, y siempre que no le caiga un regalo en forma de nominación a mejor director o mejor guión. ¿Por qué? Porque Los abrazos rotos no ha sido la elegida por España para competir como mejor película de habla no inglesa.

Lo dicho: parece que no habrá Oscar para él… pero él sí estará en los Oscar. Ya que no te damos estatuilla, la das tú. Y mira qué coincidencia: la de mejor película extranjera. Eso sí, el honor no será exclusivo: a Pedro le han puesto de compañero a Quentin, Quentin Tarantino. Los dos, quién sabe si al unísono, anunciarán al ganador.

En fin, la noticia tampoco va a ninguna parte, más allá de la parafernalia de la gala, la Academia, etc. Pero no deja de ser curiosa esta especie de vendetta, como si dijeran los señores de Hollywood: “tranquilo, Pedro, que nosotros sí te apoyamos; ya nos encargamos de que no te pierdas la fiesta, entrega tú el muñequito dorado”.

Y una reflexión maliciosa: ¿significa esto que tampoco Tarantino rascará premio? Un servidor lo vería más que justo, teniendo en cuenta lo que me pareció su última película, Malditos bastardos.

En 1980, Robert Redford era ya una estrella consagrada. Descalzos por el parque, Dos hombres y un destino, El golpe, El gran Gatsby y Todos los hombres del presidente habían forjado una sólida carrera que le había convertido en uno de los intérpretes más deseados, tanto por productores/directores como por las masas, ascendido a los altares de galanes como Brando y Newman. A Redford, sin embargo, le faltaba algo: ponerse detrás de las cámaras. La excusa la encontró en una novela de Judith Guest que le recordó, por cómo se describían los problemas en el hogar, a su propia familia.

Los problemas que cuenta Ordinary people no son precisamente banales. La familia (papá, mamá y Conrad, hijo adolescente) vive marcada por una tragedia. Un hecho fatal (que no desvelaremos) en el que se vio involucrado Conrad; su sentimiento de culpa es tan abrumador que intentó suicidarse. Que no lo consiguiera no significa que ese sentimiento haya desaparecido: es un chico atormentado, angustiado, en perpetuo estado de furia y desasosiego. Vuelve al instituto, al equipo de natación, pero el peso de la culpa es casi insoportable. Conrad tiene el apoyo de papá, un hombre básicamente bueno y preocupado, y el del doctor Berger, pero no el de mamá, una harpía en toda regla que no le perdona lo ocurrido y parece incapaz de apreciar hasta qué punto sufre el chico. Mientras Conrad lucha por recuperar su vida, la familia camina hacia la desintegración.

Eligiendo un drama intenso y complejo, Redford demostró que cambiar el rol de actor por el de director no obedecía, precisamente, al capricho de una estrella aburrida. La densa novel de Guest obligó a un tratamiento de dos años y medio hasta convertirse en un guión pulido, obra y gracia del solvente Alvin Sargent. Sargent, que había ganado el Oscar por el libreto de Julia, repitió estatuilla con Ordinary people, merecida recompensa a tan ardua labor. No acabó aquí el reconocimiento de la Academia: generosa, bendijo a Redford, un novato, reconociéndole como mejor realizador, y consideró que su cinta había sido la mejor del año. Un botín que se completó con otro Oscar no menos merecido: el de mejor actor secundario, aunque su rol fuera principal, para Timothy Hutton.

La carrera de Hutton ha oscilado desde entonces entre lo frustrante y lo anodino pero, como le ocurrió a Redford, lo bordó con su primera película (contaba sólo con papeles en televisión). Tenía 20 años pero resultaba perfecto como adolescente, e impregnó a su interpretación de tal grado de veracidad (ha asegurado que no se sirvió de la muerte de su propio padre, ocurrida meses antes, pero quién sabe) que, si la película funciona, es en gran medida porque supo zambullirse con éxito en el complejo papel de un crío depresivo aplastado por la culpa. Después, lo dicho: sin noticias de Hutton, reciclado en actor insustancial.

El reparto, sólido, lo completan Donald Sutherland, impecable como el padre, y Mary Tyler Moore como la madre, en un tour de force, como les gusta a los ”entendidos”, que la obligó a dejar sus habituales papeles amables para reciclarse en una cabrona bastante desalmada. Nominación para ella, así como para Judd Hirsch, el médico.

Redford, sin haberse prodigado mucho (otras 6 cintas más en casi 30 años), no lo ha hecho mal cuando ha dirigido, aunque ha tendido a caer en lo ñoño (El río de la vida, El hombre que susurraba a los caballos); su gran excepción: Quiz Show, nominada a mejor película y mejor director, una delicia. Pero fue, quién lo iba a decir, en su estreno al otro lado de la cámara cuando ofreció mejores prestaciones. Demostró buen gusto al elegir el material, supo rodearse de buenos profesionales y sirvió una película de obligada visión; sin pirotecnias ni grandes alardes, pero con los pulmones suficientes para bucear en las honduras de los conflictos humanos.

Languidece noviembre, amarillean las hojas de los árboles y todo ese rollo… y como ellas, van cayendo marchitos los estrenos del fin de semana, sin despertar gran interés a un servidor. Algo me dice, sin embargo, que unos cuantos millones de personas se empeñarán a llevarme la contraria:

-Luna Nueva (estrenada el miércoles 18): Blockbuster palomitero apoyado en el fulgurante (y por mí no catado) éxito de las novelitas de Stephenie Meyer, aquí está la segunda entrega de… sí, otra historieta de vampiros y amoríos adolescentes, en la línea del producto HBO True Blood. Cómo será de pobre el guión cuando de lo único que se ha hablado es de si el vampiro Robert Pattinson, cansino como él solo, sale con esta o con la otra; y, sobre todo, con cuántos kilos de músculo se ha forrado el hombre-lobo Taylor Lautner. Pobre crío él, que a sus 18 años se ha visto obligado a machacarse en el gimnasio y engullir proteína tras otra, y quién sabe si metiéndose hormonas y otras mierdas, para cambiar su cuerpo cuando aún estaba desarrollándose, por culpa de unos productores que sopesaban la idea de largarle por alfeñique. Con más razón que nunca: para fans de la saga.

-Amelia: No parece que sea el caso, pero película que hace Hillary Swank… (casi) Oscar que se lleva; ahora encarna a una aviadora pionera que tiene que sufrir a Richard Gere y a Ewan McGregor (¡Dios!) mientras rompe barreras más chungas que el sonido, como la discriminación por ser mujer, bla, bla, bla.

-Un lugar donde quedarse: Sam Mendes, otrora admirado por American Beauty, parece cada vez más fuera de onda; ahora sirve una comedia gafapastiana y con airecitos Green Village, rollo cultureta/alternata/intelectualoide que tira para atrás.

-Tenderness: El título, la verdad, no invita nada. Luego, ¿quién sabe?, igual hasta engancha la historia de un poli (Russell Crowe) obsesionado con un chaval que mató a sus viejos y del que está convencido que, fuera ya de la cárcel, se cepillará a más gente, incluida una niñata enamorada del tal asesino. Una incógnita.

-La noche que dejó de llover: Luis Tosar se merece nuestro eterno respeto por su Malamadre de Celda 211; pero esto, hasta que alguien me demuestre lo contrario, es una ESPAÑOLADA.

La revista Forbes, puñetera ella, acaba de publicar la lista de los actores menos amados en Hollywood. En realidad, lo que recopila esta publicación es la relación de los intérpretes menos rentables. Pero tal y como está el patio, con Hollywood más en plan industria que nunca, mirando cada céntimo invertido en una producción, no resultar rentable equivale a no ser querido… o, directamente, a ser odiado. He ahí el pecado de estos hombres (y una mujer): sacarle poco jugo a sus sueldos, más o menos generosos, pero soñados por cualquier mortal.

Se lleva la palma Will Ferrel, actor ¿cómico? que no deja de embarcarse en proyectos a cual más fallidos y que recauda 3,29 dólares por cada uno que se embolsa. Esta cifra, así, sin ponerla en contexto puede dejarnos fríos, pero acudamos a la socorrida comparación que nos proporciona la propia Forbes: en el extremo opuesto, la antítesis de Ferrell, el tierno Shia LaBeouf, gracias a sus dos Transformers, genera 160 dólares por película. ¡Casi 50 veces más que Ferrell! Tremendo.

Aquí se puede consultar ambas listas, la de los losers y la de los winners. Para los que sientan pereza ante el trámite, vaya por delante que a Ferrell, entre los menos rentables, le siguen Ewan McGregor, Billy Bob Thornton, Eddie Murphy y Ice Cube. Menudo plantel. Salvo Billy Bob, y en menor medida Ewan, el resto son para echarles de comer aparte (Ice Cube no debe ser siquiera considerado actor). En el otro extremo de la balanza, a LaBeouf le siguen James McAvoy, Michael Cera, Daniel Radcliffe y Robert Downey Jr.

Conclusión: para ser rentable hay que saber actuar (un mínimo), elegir bien el proyecto y, a poder ser, caer en una de esas superproducciones que hacen muchos dólares. Claro que a estas listas tampoco hay que concederles más importancia de la necesaria: si tu caché es bajo, es fácil que salgas bien parado en términos de productividad, y viceversa. Lo grave para Ferrell y compañía es que, a buen seguro, los ejecutivos de Hollywood sí se toman estas cosas muy, pero que muy en serio.

David Duchovny siempre será el agente Fox Mulder. Le guste o no. Seguramente no le gusta. A ningún actor le hace gracia encasillarse. Encasillarse implica recibir siempre el mismo tipo de papeles, que te paren por la calle y te llamen por el nombre del personaje, incluso cuando ya lo has dejado… David Duchovny pasará a la Historia como el tío raro del FBI que investigaba sucesos paranormales con la cada vez menos escéptica Dana Scully como compañera. Esto es un hecho. Son gajes del oficio, la contrapartida a formar parte de una serie de culto que cambió muchas cosas en la pequeña pantalla.

A David Duchovny no le habrán resultado fáciles los cinco años que pasaron desde el final de Expediente X hasta el arranque de Californication. Cinco años plagados de proyectos menores, de buscar un sitio más allá del despacho más polvoriento y olvidado de los federales. Duchovny siempre será Mulder… pero ahora, por lo menos, puede respirar tranquilo: ha encontrado un nuevo hogar. Su nombre, ya se ha dicho, es Californication.

¿Qué nos venden? La historia de Hank Moody, un escritor con tres obras publicadas, la última adaptada al cine, que escucha los cantos de sirena de Hollywood y cambia Nueva York por Los Ángeles, ciudad que odia con todas sus fuerzas. Claro que tampoco le ayuda haberlo dejado con su compañera, con la que comparte una hija, y sufrir un bloqueo de cinco años (qué coincidencia…) que le impide sacar otro libro al mercado. Como escribir, lo que se dice escribir, no escribe demasiado, el bueno de Hank invierte su tiempo en volvar loca a su ex y, sobre todo, en liarse con todas las mujeres que se ponen a tiro, casi todas ellas, con un patrón claro: jóvenes (alguna menor), guapas y con cuerpos esculturales.

Volvamos a preguntar: ¿qué nos venden? Sexo. Desnudos. Tetas. Culos. Carne, mucha carne. Ahí no escatima Californication (de ahí el título), en la línea de pretéritos productos como Sigue soñando. David Duchovny tiene más escenas calientes en medio capítulo de esta serie que en las nueve temporadas de Expediente X. Nuestro amigo ha pasado de no tocarle un pelo a la fría Scully a llegar a donde haga falta con la mitad de la población de la Costa Oeste. Este es uno de los ganchos de Californication. El otro, supuestamente, el propio Duchovny. Con lo que todo esto conlleva. En honor a la verdad, ya no estamos ante el envarado sujeto de rasgos imperturbables cuyo mayor alarde era comer una pipa de girasol tras otra. Ahora Duchovny gesticula, ríe, hace muecas.

Los personajes poco o nada tienen que ver. En Californication compone a un escritor bloqueado y desencantado con la vida, un crápula, un adicto al sexo, un tipo inmaduro que sólo sabe correr detrás de faldas y meterse en líos, un provocador, un vividor, un mal ejemplo para su hija y un dolor de cabeza para su ex. Ese es Hank Moody. Es de sospechar que hay actores más dotados que Duchovny para interpretarlo, pero el hombre no lo hace mal. Una prueba: un Globo de Oro por la primera temporada y una nominación por la segunda (ahora mismo se emite en Estados Unidos la tercera).

Sexo y diálogos ácidos en capítulos de 25 minutos: es el cóctel que ofrece Californication. Una serie que se deja ver. Duchovny está un pelín solo, mal secundado por la sosa, sosísima, por muy mona que sea, Natasha McElhorne. Aunque no importa demasiado: Californication es Hank Moody, es decir, Duchovny. Casi todos los planos son suyos. Cuando comparte plano es, por lo general, porque comparte cama y en el encuadre hay una rubia con o sin ropa. Al menos, en la primera temporada, que no es cuestión de reventar la serie.

En definitiva: Duchovny ya tiene proyecto estable y debemos alegrarnos por ello. No es el mejor actor del mundo… pero el hombre que encarnó a Fox Mulder merece nuestro respeto.

En marzo de 2010 llega Alicia en el País de las Maravillas a las salas de cine tras pasar por las siempre heterodoxas y originales manos de Tim Burton. Nos bombardean, desde hace un tiempo, con noticias, fotografías, rumores. Y uno, aunque tiene ganas de ver el resultado, de descubrir cómo sale parado el clásico de Lewis Carroll después de pasar por la batidora burtoniana… no puede dejar de ser un poco puñetero y hacerse una pregunta: ¿qué le pasa a Tim, que últimamente no hace más que adaptar el material de otros?

Echemos un vistazo a su reciente trayectoria:

-Mars Attacks! (1996): Burton se basó en una serie de cartas de ciencia-ficción, aunque había que desarrollar una historia; fracaso en la taquilla USA.

-Sleepy Hollow (1999): Washington Irving escribió el cuento, recopilado en un volumen en 1820, inspirándose en viejas leyendas alemanas, y el bueno de Tim se acordó de él cuando acababa el siglo siguiente; una cinta, como dicen los americanos, underrated, subestimada; una de mis favoritas.

-El Planeta de los Simios (2001): No hace falta rebuscar demasiado porque, aquí, Burton directamente cogió la película de 1968, que había dado pie a varias secuelas, y la contó a su manera (y con Mark Wahlberg y la maniquí Estella Warren, buf); la menos burtoniana de sus películas; claro, funcionó mejor; para mí, una patraña.

-Big Fish (2003): La novela es de Daniel Wallace, aunque es innegable que el material le iba como anillo al dedo al estrafalario director, que gusta pero no emociona.

-Charlie y la Fábrica de Chocolate (2005): De nuevo, poco o ningún misterio; Burton le añade colorido kistch / hortera al exitoso libro para niños de Roald Dahl; se ve con agrado.

-La novia cadáver (2005): Inspirado en un cuento de la tradición judeo-ortodoxa; muy estimable pieza de animación.

-Sweeney Todd (2007): El personaje forma parte de las leyendas urbanas de la Inglaterra Victoriana, dio pie a una película en el 36 y a una obra teatral, de un tal Christopher Bond, que a su vez convirtió en musical Stephen Sondheim, éxito en Broadway en los 80; de este musical bebió Burton tras hacerse a un lado Sam Mendes; el resultado, fallido.

Y el año que viene, lo dicho, Alicia en el País de las Maravillas.

En fin, no queremos hundir al pobre Burton, cosa harto difícil desde tan pequeña atalaya. Obviamente, buena parte de la producción cinematográfica se basa en material ya existente. Un genio como Hitchcock, a menudo, recurría a novelas que habían captado su interés. 

Pero no podemos dejar de “denunciar” que el tan traído y llevado universo del amigo Tim se ha ido ensamblando con piezas de otros (y no hemos hablado de Batman), en algunos casos como pequeños gérmenes, sirviendo de punto de partida, y en otros metiendo mano a proyectos de otros de forma descarada. Y esto ha sido así en los últimos años. Lejos quedan los tiempos de los personajes originales, como Beetlejuice y Eduardo Manostijeras, o el biopic sobre Ed Wood, un precioso homenaje.

Si algo tiene la fama es que te permite conservar tu estatus y seguir haciendo caja.

Lo de este fin de semana puede leerse como un anticipo de lo que viene: películas familiares, superproducciones, productos para todos los públicos… y sí, aunque estemos todavía a mediados de noviembre, cine navideño. Así que nada: al que no le guste, ya se puede ir preparando, porque hasta que avance enero y nos metamos en febrero, y lleguen en aluvión las cintas que mojarán en los Oscar, esto es lo que hay:

-2012: Roland Emmerich vive muy, pero que muy feliz con el cartelito de “director de películas de catástrofes”. A ellas se entrega con fruición y pasión. Con la excusa del calendario maya vuelve a cargarse el mundo. Enrola en su mastodóntico proyecto a tipos acabados como John Cusack (qué cansino, el pobre), Woody Harrelson y Danny Glover, y a otros de difícil etiquetado como Chiwetel Ejiofor y Amanda Peet. Pues eso: palomitas, refresco, efectos digitales por un tubo, adrenalina y carreras, edificios emblemáticos a tomar por saco y poquito más.

-Cuento de navidad: El que decidió estrenar esta cinta a mes y pico de la época que le da título, o bien es un genio, o un tonto rematado. Vistos los 30 millones que ha recaudado en USA en su primer fin de semana, en fin, parece más bien lo segundo. Nos prometen una revisión del cuento de Dickens donde tienen mucho que decir los efectos digitales y las muecas de Jim Carrey; básicamente, los dos factores en los que se resume la ecuación de esta cinta. Disney ha empezado a presionar para que se reconozca el fantástico, dicen, trabajo desplegado por Carrey, ante el temor de que quede sepultado bajo tanto ordenador. Vaya con Disney… En fin, gustará a los niños.

-Triage: Colin Farrell, Christopher Lee y ¡argh!, que dirían en la Cuore, Paz Vega en una de fotógrafos de guerra con mucho tormento interior.

-50 hombres muertos: Thriller británico-canadiense con Ben Kingsley.

-Partir: Una francesa con extraña pareja, Kristin Scott-Thomas y Sergi López.

-El viaje de la tortuga: Documental.

En el fondo, tiene un mérito tremendo rodar una película de hora y media con 73 inviernos. Es innegable. El problema es que la firma un tal Woody Allen que, a su edad, no se da cuenta de que seguir facturando a ese ritmo, una cinta por año, es tan insensato como contraproducente. Lo único que consigue es añadir títulos anodinos a un currículum hasta hace poco brillantísimo.

Aquí ya dimos cuenta de cómo su carrera se deslizaba por un tobogán de mediocridad a base de trabajos como El sueño de Casandra y, aún peor, Vicky Cristina Barcelona. Ni siquiera la huelga de guionistas impidió a Allen acudir fielmente a su obsesiva cita en este 2009: y así, hace algún tiempo (pedimos disculpas por el retraso en la crítica), despachó esta Si la cosa funciona (Whatever Works), a partir de un guión de los 70. O eso dice él, porque el libreto podrá ser de hace 30 años… pero esta película habla, desde el primer minuto, el balbuceante idioma de los últimos films del neoyorquino. Sí desprenden un sabor añejo el constante hablar a la cámara del protagonista, o el regreso al personaje arquetípico tan alleniano del hipocondríaco, intelectualoide, misántropo, cobarde y muy judío sujeto que vive encerrado en un mundo paralelo poblado de microbios, prejuicios, disertaciones eternas y desplantes verbales. Ahí sí detectamos al Allen de tiempos pasados.

Ocurre, sin embargo, que la historia no es buena. No seducen los padecimientos de este alter ego en cuya monótona existencia irrumpe un buen día una joven paleta sureña (el doblaje en español es nefasto, salpicando el diálogo de “-aos” por “-ados”), que trastoca sus planes, y a la que siguen la mamá, primero, y el papá, después, ambos para experimentar cambios radicales. Hay unas cuantas líneas de diálogo graciosas, marcas de la cosa, especialmente cuando el protagonista, Boris Yelnikoff, saca a relucir su vena más borde y rancia, pero no consiguen elevar un vuelo que tiende a ser más bien rasante.

Y ese es el gran problema de Si la cosa funciona: que transcurre sin pena ni gloria. ¿Está mal? No. ¿Está bien? Tampoco. Es sencillamente prescindible, y eso es algo que asusta. ¿Podemos prescindir de Woody Allen? Tal vez sí. Tal vez el recurso del DVD, de volver a sus obras maestras de siempre, sea la mejor opción. El problema es que él no se da por enterado. Y pone la función sobre los hombros de Larry David, famosísimo en USA por crear Seinfield y, ahora, la serie de culto Curb your enthusiasm, donde hace de sí mismo; pero todo un desconocido (o casi) fuera de su país. Un tipo bastante alleniano pero también no poco cargante. Le da la réplica la aún verde Evan Rachel Wood y sale además Henry Cavill, visto en Los Tudor y, tal vez, propuesto por Johnny Rhys-Meyers.

¿Es necesario ver Si la cosa funciona? Lamentablemente, no demasiado. Puede verse, pero se olvidará pronto, salvo para los auténticos fans de Allen que, pobres de nosotros, seguimos acudiendo, año tras año, a la sala de cine con la esperanza de que otra Match Point, otro fogonazo de brillantez, sea aún posible. En esta ocasión, no ha habido suerte…

Enzo G. Castellari siempre fue un poco copiota. Cuando Sergio Leone se consagró definitivamente con El bueno, el feo y el malo (Il buono, il brutto, il cattivo, 1966), él no dudo en copiar la fórmula para su primera película, Voy… lo mato y vuelvo (Vado… l’ammazzo e torno, 1967), en la que tres pistoleros persiguen un fabuloso tesoro. Cuando San Peckinpah recurrió a la slow motion para Grupo Salvaje (The Wild Bunch, 1969), también se apuntó a la moda con su propio western crespuscular, Keoma (1976) [Nota: Keoma es una de las películas preferidas de mi socio Pablo. Hace cinco años se la presté en DVD y desde entonces no sé nada de él]. Y cuando Steven Spielberg aterrorizó a bañistas de medio mundo con Tiburón (Jaws, 1975), él se propuso hacerlo mejor con L’ultimo squalo (estrenada en 1981, fue demandada al instante por Universal al considerar que copiaba la  saga de Spielberg. Los tribunales dieron la razón a la productora, que se quedó con los derechos del film y todavía hoy no puede exhibirse en los Estados Unidos. A pesar de ello, José Frade, su distribuidor en España, la estrenó con el título de Tiburón 3). Lo que nunca hubiera podido imaginar Castellari es que una película suya, Aquel maldito tren blindado (Quel maledetto treno blindato, 1978), iba a ser versionada, treinta años después, por otro gran copiota de la historia del cine: Quentin Tarantino.

¡Ojo! Cuando hablamos de copiotas nos referimos cariñosamente a esa inclinación, a veces patológica, que tienen algunos directores con “homenajear” en sus films. Y parece que esa era la intención de Tarantino con Malditos bastardos (Inglorious bastards, 2009), cuyo título es el mismo que el que se dio en Estados Unidos a la película de Castellari. El propio Tarantino ha reconocido que Aquel maldito tren blindado es su película de guerra favorita. Pero como Pablo ya dio un repaso al último film del director de Tennessee, centrémonos en la obra de la que surgió todo.

Aquel maldito tren blindado es la historia del peor grupo de militares americanos visto nunca. Ladrones, desertores, asesinos… todos presos por délitos de guerra en la Francia ocupada, es decir, en todo el meollo de la II Guerra Mundial. Cuando son conducidos a una prisión militar, un avión alemán tirotea el convoy que les escolta y ellos aprovechan para escapar. De pronto, se encuentran entre dos fuegos: delante, los alemanes, y detrás, sus propios compatriotas. Deciden emprender la marcha hasta Suiza, pero un desafortunado incidente les pondrá al frente de una misión suicida, quizás la única oportunidad que tienen para rehabilitarse.

No se preocupen que no es para tanto. A pesar de la gravedad del asunto, Aquel maldito tren blindado no está destinada a encoger los corazones y mostrar la cara más amarga de la guerra. Todo lo contrario. Para Castellari, la guerra es un escenario perfecto para que sus personajes corran, golpeen, disparen y maten sin mayor pretensión que la de conseguir el sonrojo del espectador por estar pasándolo teta con tanta carnicería. Una fórmula mil veces trillada desde Doce en el patíbulo (Dirty Dozen, 1967), pero pasada por la freidora italiana, mucho más frívola y caricaturesca que la hollywoodense, como ya vimos con Cinco para el infierno (5 per l´inferno, 1969).

Sin embargo, Aquel maldito tren blindado resiste a los años porque Castellari era, y es, un buen director, un mago con chistera que sabe que, cuando no hay fondo, hay que sacar a relucir la forma. Y para ello utiliza todos los trucos posibles: acrobacias, explosiones, maquetas, chicas desnudas y la ya citada slow motion. Su estilo visual, ausente cualquier carga dramática, sí es al menos efectista y acorde con el ritmo trepidante que impone en la película. Los efectos especiales son bastante decentes para el presupuesto, la época y las dificultades en las que se vio envuelto el rodaje (una ley prohibió usar armas de fogueo en las películas, por lo que tuvieron que recurrir a armas de madera y realizar planos en los que no se viera el disparo), al igual que los decorados y el vestuario. Por cierto, las múltiples maquetas creadas para esta película son excepcionales, obra de Emilio Ruiz del Río, diez veces nominado a los Goya (ganó tres) recientemente fallecido y responsable de efectos especiales en Espartaco, Patton, Conan el Barbaro, Acción Mutante  o El laberinto del fauno, entre otras. Un lujo, vamos.

Fred Williamson interrogando a un nazi bajo la atenta mirada de Bo Svenson.

Mucha culpa del éxito de la película radica también en sus protagonistas. Como era típico en estas coproducciones, se llamó a actores americanos, para dar caché y luego vender más en Estados Unidos. Los elegidos fueron Bo Svenson (recuperado ahora por Tarantino en Kill Bill v.2 y la propia Inglorius Bastards) y el símbolo de la blackexplosion Fred “the hammer” Williamson. Su química en pantalla es nula, pero parecen realmente pasárselo en grande. Sobre todo Williamson, que protagoniza los momentos más divertidos del film (esa caída de culo en el techo del tren es memorable) junto al entonces famoso Dj Michael Pergolani, que con su melena y su bigotazo interpreta a un gracioso soldado ladrón y falsificador.

Para muchos, Aquel maldito tren blindado, al son de la magnífica banda sonora de Francesco de Masi, es ya un clásico de cine bélico. Otros consideraran esta película más propia de Celuloide Bizarro. Ni una cosa ni la otra: es un gran ejemplo de cine sin pretensiones del que puedes llegar a enamorarte cuando posee personalidad propia. Y sin duda esta película tiene personalidad para dar… y disparar.

Para abrirse camino en esa jungla que es la industria del cine, no vienen mal ni una mano amiga ni una pizca de suerte. Duncan Jones se topó con la segunda y un servidor no está del todo seguro si contaba con la primera. Digamos que, siendo hijo del cantante David Bowie, es posible que o bien papá le abriera alguna puerta o su parentesco con un famoso del artisteo obrara a modo de primer empujón. O tal vez no: tal vez el pobre Duncan ha tenido que luchar toda su vida (38 años tiene) contra el prejuicio de ser “hijo de”. En cuanto a la suerte, al parecer la ya superada huelga de guionistas, que coincidió con su rodaje, le vino de perlas: con el resto de proyectos paralizados, y a pesar de ser el suyo de modesta envergadura, pudo disponer de algunos de los mejores efectivos del departamento de efectos especiales de los Estudios Shepperton.

Y no es cuestión baladí esta última, teniendo en cuenta que Moon (2009), como su nombre ya nos hace barruntar, discurre por los senderos de la ciencia-ficción. Por cierto que los citados efectos son impecables y, sin duda, contribuyen a elevar la categoría del producto. Dicho de otra forma: lo que era un buen guión, con un interesante planteamiento y un más que sugerente desarrollo, creció exponencialmente al no verse obligado el amigo Duncan a colocar unas cuantas cajas de cartón a modo de base lunar. Ahí, en la base, es donde vive nuestro protagonista, Sam Bell, el único encargado de supervisar la extracción del material con el que la Tierra ha solucionado sus problemas de energía y, de paso, de polución. El hombre lleva una vida aburrida que consiste en comprobar que todo va bien y, de cuando en cuando, enviar el producto a nuestro planeta. Su única compañía es un robot, Gertie, más bien un par de brazos y un armazón con emoticono (original detalle), nada de C3POs, al que en la versión original pone voz Kevin Spacey (!).

Sentadas las bases, el primer tramo del film apunta dos ideas: una, la de que estamos ante una one-guy movie, lo cual no deja de ser cierto pero da pie a un giro argumental inesperado y que no desvelaremos porque ahí está el meollo de Moon; y dos, que eso de que al protagonista le entre la vena paranoica y empiece a ver / oír cosas está un pelín manido y amenaza con arrastrar la cinta al fango de lo previsible… algo que, mediante ese giro ya citado, no llega a ocurrir. Resumiendo, Moon no es lo que parece y ahí reside la gracia.

Parte de la culpa, buena parte, la tiene Sam Rockwell, un tipo más conocido en el mundillo indie que en el mainstream, por más que de vez en cuando se enrole en producciones al más puro estilo Hollywood, como aquella vez en que encarnó a un preso loco en La Milla Verde. Rockwell, actor de carácter, es perfecto para soportar sobre sus hombros el peso de la función y, más aún, su fisonomía, con cierto aire entre despistado y chalado, viene al pelo para los propósitos de Duncan Jones. Su papel tiene aún mayor mérito por culpa de ese giro en la trama que, insisto, no vamos a destapar, pero vaya por delante que le obliga a un sobreesfuerzo del que sale muy bien parado.

Para Moon fueron la mayoría de los premios en el reciente Festival de Sitges, donde causó sensación. No es 2001 ni Alien, por supuesto, tampoco Blade Runner, pero como primera película, Duncan Jones puede sentirse más que satisfecho porque, más allá del resultado formal, que es encomiable, demuestra algo que escasea desde hace años en la Meca del Cine: ganas de arriesgar e innovar, de ser original, por más que el punto de partida tampoco sea nada del otro mundo. Moon se ve con agrado y no es coto exclusivo de fans de la ciencia-ficción. En sus imágenes se reconocen buen gusto y saber hacer. Dos pilares que hablan de una carrera, a poco que se lo curre, prometedora para el hijo de Bowie; perdón, Duncan Jones.